爸爸给宝宝起名简笔画,什么历史人物卡通最好画

1、先画出李白头上戴的帽子，一个梯形上面再画一个类似锥形的样子，注意画出帽子边沿。

2、画出头部。用弯弯的弧线画出脸上的眉毛，眼睛，鼻子和嘴巴，画上耳朵还有帽子的装饰物，眉毛画得粗一些。

3、画出人物的上半身，双手合拢成“作揖”姿态，袖子要画得宽大一些。

4、继续画出下半身的袍子和露出来的双脚，袍子上系有一条腰带。

5、脸和双手涂上肤色，耳畔的鬓发涂成黑色，用粉色在脸上画上腮红。

6、继续用浅蓝色涂帽子边沿和袖子里面，腰带涂深蓝色，鞋子涂黑色，一个诗人李白简笔画就画好了。

对于画家李壮平父女联袂创作的东方女神？

感谢悟空问答，就这个问题谈谈我的看法

画家李壮平父女联袂创作《东方女神山鬼系列》油画是十多年前的事，当时曾经石破天惊，引起轩然大波，后来随着时间的推移，这事也慢慢淡化了。说实话，我不明白为什么时隔十多年，还有人提这个问题。既然有人提这个问题，悟空问答又邀请回答，我就不妨说一说。

这个问题实际上牵涉到三个问题，一是社会伦理道德与艺术创作的关系问题，二是作品本身的思想性、艺术性，三是对于当今社会文化艺术创作的启示。

关于第一个问题即社会伦理道德与艺术创作的关系问题，从这个角度看，李壮平父女联袂创作《女神山鬼系列》确实是遇到了一个矛盾。这就是说，按照一般社会伦理道德要求，男画家创作人体艺术作品有用情人、妻子作模特的，从来没有用亲生女儿作模特的。所以，李壮平用自己亲生女儿作模特进行写实油画《女神山鬼系列》创作，确实是一个冒天下之大不韪的作法，就很容易被认为突破了伦理道德底线，而受到社会舆论的攻击、质凝。

关于第二个问题，作品本身的思想性、艺术性。这个问题也是社会舆论必然要考量的。因为，画家李壮平用自己的女儿作模特进行人体艺术写实创作，本身就超越了一般人们所能容忍的道德底线。如果创作的作品思想性、艺术性不高的话，那就会出现更糟糕的情况，那就会受到更广大的舆论谴责：纯粹是为了炒作！而事实是李壮平李勤父女联袂创作的写实油画作品取材于战国时期伟大的爱国诗人屈原的诗作《九歌.山鬼》，思想性、艺术怡很高，他两个人联袂创作呈现给世人的《女神山鬼系列》写实油画作品也非常精美，思想性、艺术性都很高。这也充分说明老画家李壮平为了创作出理想的绘画作品，在社会上确实是找不到合适的模特，最后才不得不决定门户自己的亲生女儿作模特进行创作。

关于第三个问题，李壮平父女联袂创作《女神山鬼系列》写实油画系列，创作取得了惊艳世人的艺术成果，同时也遭遇了负面社会舆论的巨大压力。这就启示人们，在艺术创作上要想创作出非凡的艺术作品，就要有非凡的艺术思想和决断；同时也必然会遭遇非凡的困难和压力，艺术家必须要顶得住。

以上是“古津新歌”对于悟空问答提问的回答，实话实说，希望对大家有所启发。（图片下载自网络，如涉侵权，请及时联系删除）

美术创作为什么非得要模特？

在美术创作中，世间万物都能成为画家的创作客体，而模特在这其中充当着不可或缺的作用。这时候有些人可能会困惑，美术创作本来就是艺术范畴，为什么不能够仅凭想象完成创作，一定需要模特的辅助呢？下面我将从两个方面去分析模特的重要性。

第一方面，模特形象的助攻让宗教精神成为可能

对于美术创作来说，不管主题是什么，任何的作品都需要靠视觉形象来反映一定的思想内容。而美术作品的作用有两个，其中一个是美术作品所塑造的形象，把观众带到了画家想要反映的一个艺术氛围之中，引起内心思想强烈的共鸣，进而产生精神认可。在中世纪的西方国家，想要做到这一点，想要让观赏者对美术作品产生精神上的认可，想要让观赏者在内心世界主动去接收美术创作中传达出来的讯息，最直接的一点就是让宗教精神在其中就充当着一个媒介作用。美术作品因为宗教精神的干预，信众理所当然成为第一批接收者。

美术创作出来的事物，让广大信众脑海中模糊的神祗形象逐渐清晰，并随着不断地强调，慢慢在心中形成相对稳定的形象，从而使得他们信仰的神祗有一个具体的物象，而不是空中楼阁。就这样，美术创作出来的人体具有了权威性与可观性。所以，在中世纪期间，美术创作的发展是被教会控制着的，不管是雕塑，还是油画，无一不存在宗教神学的气息。

其实，基督教发源于公元1世纪的罗马，在基督教刚刚发展的初期经历坎坷，基督教徒不断受到迫害，为了躲过官方的搜查，基督教徒只能把宗教仪式转移到一种公共地下墓窟，艺术家们就在这种墓窟的天顶和墙壁上画满了各种圣经题材的壁画。后来罗马皇帝承认了基督教的合法地位，并把这一长期遭到罗马帝国镇压的新宗教为国教。地位上的改变，导致待遇的不同。此后关于宣传宗教的壁画、雕塑和油画就屡见不鲜了。中世纪最著名的就是教堂艺术了，如拜占庭风格的圣索菲亚大教堂、罗马式风格的圣塞尔南大教堂等。与此同时，祭坛画和圣像画也发展迅速，还出现了用于教堂装饰的玻璃镶嵌画。

圣像画的出现是意料之中，因为在宗教神权的思想里“人体是最尊贵的”。这样看来，貌似以前的西方人就知道自身的价值了，但是别误会，不是谁的身体都是尊贵的，你以为他们会随随便便画一个乞丐吗？这里所谓的圣像就是指神的形象。那时候大量的圣像广为流传，而画中主角无外乎都是一些天神，如《三圣像》《彼得与保罗》《十字架上的耶稣》以及圣母玛丽亚各种写真，如拉斐尔的《椅中圣母》《金翅鸟圣母像》等一系列作品。听着挺像回事的，但是仔细一看这些天神，与我等凡夫俗子有什么差别？

这一点鲁迅就有同感。鲁迅说过：“描神画鬼，毫无对证，本可以专靠了神思，所谓天马行空似的挥写，然而他们写出的，也不过是三只眼，长颈子，就是在常见的人体上，增加了眼睛一只，增长了颈子二三尺而已。”意思是就算你想要天马行空的进行美术创作，可是到最后呈现出来的效果不过是在普通的事物上进行改造，这一点在很多圣像画上都有体现。

至今保存在莫斯科特列季亚科夫画廊里的《三圣图》是由俄罗斯最早的著名画家鲁布廖夫创作的，然而虽然是圣像画，但表现出来的不是中世纪天使的体态，而是活灵活现的人。还有出生于拜占庭的格列克有生之年创作了许多壁画和圣像画，但是他的壁画敢于突破传统，注重在圣像上刻画类似人的内心世界，具有内在的表现力。

这些圣像画说白了就是以人类为模特的，换句话说，每个人都可能是圣像画的参照模板。只因为在信奉宗教的人们心中，作品中的天神就是美的化身，不管长相如何，都是带着崇拜滤镜的，是他们心目中的权威，没有任何质疑的余地。他们甚至不敢相信上面的人其实长得跟他们差不多。

哪里有什么天神呢？我们每个人都可以成为天神的参照物！那些数以万计的圣像画中，只不过盛装着人类的面容。

第二方面是审美体验，模特的加入让作品具有更丰富的审美内容

正所谓， 艺术源于生活高于生活，艺术家们就是通过自己的画笔“发现美并且展现美“。你可以觉得这些美术创作都是来自生活，来自人间。就算是画家，他们也不过是普通的人类，纵使想象力比一般人丰富，他们想象的空间也无法脱离地球，他们创作出来的作品还是与这个世界有关。之所以有模特，就是让其成为灵感缪斯，激发更多的创作可能。

美术作品有一个作用是观赏者根据自己的生活体验来认识和丰富了作品的内涵。就算是对同一幅油画进行解读，不同的人能理解的深度也是不一样的，它同观赏者的素质条件审美水平有着很大的联系。因此我们不能只把眼光只放在作品客体实际的美丑之上，还要走进人物的内心，去了解更丰富的内容。

比如最为人所知的《蒙娜丽莎的微笑》。千百年来，尽管大家都很好奇画中的女子是谁，但人们更在乎的是她神秘的微笑。毫无疑问，这个女子曾经真实存在过，可是画家以她为模特，创作出更让人着迷的事物——笑容。你可以说，这个神情本来就是模特表现出来的，但是画家的伟大之处就是捕捉到这转瞬即的一抹微笑，从而使作品成为经典。

在达·芬奇的代表作中有一幅叫做《最后的晚餐》。《最后的晚餐》是基督教新约圣经记载的最重要的事件之一，几乎被所有宗教画家描绘过，但只有达芬奇的作品传世至今，为人称道。那是因为达芬奇对人的形象和心理作过深入的观察和研究，能从人物的动作、姿态、表情中洞察人物微妙的心理活动并表现出来。

当时达芬奇因为不知道怎么下笔画背叛者犹大的形象而停笔好几天，当时达·芬奇的酬金是按时支付的，这样迟迟不动笔，让米兰格雷契寺院食堂的院长十分恼火，还让总管通知达芬奇打算扣工资的想法。达芬奇一听说这个决定，就马上想到了该怎样画犹大。他以院长为模特，将院长的头像画成犹大。后来米兰大公来看这幅画像，立马就认出了坐在犹大位置上的院长。达·芬奇会用院长作模特，并非是出自个人的泄欲，而是院长和犹大本质上有个共通点，他们都很贪婪金钱。

从这两幅画中，我们可以看出模特对艺术创作的重要性。画家需要模特，不是因为需要这个人的面容，而是这个人身上其他的东西，毕竟人是复杂的，有喜怒哀乐，也有怨嗔痴。画家透过他们，捕捉自己想要的灵感。而观赏者也可以从作品中解读出他们熟悉的内容，从而被带入画境，产生审美愉悦！

这就是我对模特在美术创作中的作用的理解，可能不够详细，欢迎补充！

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